White Rabbit Red Rabbit

White Rabbit Red Rabbit

"White Rabbit, Red Rabbit" arrives in Florence!

With no rehearsal, no director, a different actor each night, and a script waiting in a sealed envelope on stage, internationally acclaimed “White Rabbit, Red Rabbit” by Iranian writer Nassim Soleimanpour, is an audacious theatrical experiment and a potent reminder of the transgressive and transformative power of theatre.

Since its joint premiere in 2011 in Edinburgh and Summerworks festival “White Rabbit, Red Rabbit” has been translated into more than 30 different languages and been performed over 3000 times by some of the biggest names in theatre and film including actors John Hurt, Whoopi Goldberg, Nathan Lane, Lee Pace, Stephen Rea, Sinead Cusack, Marcus Brigstocke, Dominic West and film director Ken Loach.

 

Some of the actors who have performed this play are…

And now… on March 13, 2024 at 19:00

Giulia Cavallini at Teatro delle Arti, in Florence!

“White Rabbit, Red Rabbit” will be performed in Italian with surtitles in English.

The Playwright

Nassim Soleimanpour is an Iranian playwright, theatre maker and the Artistic Director of the Berlin Based Theatre company Nassim Soleimanpour Productions. His plays have been translated into more than 30 languages and performed globally in over 50 countries. Best known for his play White Rabbit Red Rabbit, written to travel the world when he couldn’t, his work has been awarded the Dublin Fringe Festival Best New Performance, Summerworks Outstanding New Performance Text Award and The Arches Brick Award (Edinburgh Fringe) as well as picking up nominations for a Total Theatre and Brighton Fringe Pick of Edinburgh Award. White Rabbit Red Rabbit had a 9 month Off-Broadway run casting celebrated actors like Whoopi Goldberg, Nathan Lane, Martin Short, Bobby Cannavale, Wayne Brady, F. Murray Abraham, Cynthia Nixon and etc.

By the time Nassim was permitted to travel for the first time in early 2013, his play White Rabbit Red Rabbit had already been performed hundreds of times in more than a dozen languages. Since then Nassim has facilitated workshops and panels in different events including World Theatre Festival (Brisbane), Tolhuistuin (Amsterdam), SESC Vila Mariana (Sao Paulo), Schauspielhaus (Vienna), DPAC (Kuala Lampur), Theatertreffen (Berlin), Grob Theatre (Copenhagen), British Council London and The Bush Theatre (London), University of Bremen (Germany), ISPA (Edinburgh), TATA Litreture (India), FAE (Lima), Borak [Oz Asia] (Adelaide) and etc.

Nassim’s second play Blind Hamlet commissioned by the London based Actors Touring Company premiered at The LIFT 2014 and has toured in the UK and was received well in Edinburgh, Bucharest and Copenhagen. His third play BLANK premiered in November 2015 simultaneously in Amsterdam, Utrecht and London and so far has been performed in the UK, Australia, Spain, Mexico, US, Argentina, India, Finland, Denmark, Canada, etc.

His most recent play NASSIM produced by the Bush Theatre in London was premiered in August 2017 and won a Fringe First Award followed by more than 300 shows in 12 languages across the world. NASSIM had a successful five-month Off-Broadway run casting celebrated American actors like: Michael Shannon, Zachary Quinto, Tracy Letts, Carrie Coon, Kate Walsh, Carla Gugino, Cory Michael Smith, Kathey Najimi, Richard Kind, Reed Birney and etc. NASSIM has won a 2019 Off-Broadway Alliance Award for Best Unique Theatrical Experience and was nominated for Prix de la critique maison 2018-2019 à Québec in Dans la catégorie Hors Québec.

A retrospective of Soleimanpour’s plays was held at the Bush Theatre in 2017 under the title Nassimplays.

Soleimanpour’s short play Down by the Creek was published by New York Times as part of America 2024.

When most theatres had to shut down in 2020 due to a global pandemic, Nassim mentored 7 young playwrights to publish a book which could be read and performed sight on scene around the fire. October 2020, produced by The Boundless Theatre (London) lit fires across the UK!    

On March 13,  2021 to mark the anniversary of the shut down, from a prison in Mexico, to a local theatre in Pakistan, from Guatemala to New York, 120 producers across the globe put on White Rabbit, Red Rabbit at 8 pm local time.   

Soleimanpour is currently living in Berlin with his beautiful wife and dog and is busy finalising his new play for the audiobook platform Audible, and a new play for Grob Theatre in Denmark.  

Original Production

White Rabbit, Red Rabbit was originally produced by Volcano Theatre in association with Necessary Angel and Wolfgang Hoffmann.

Dramaturgy by Daniel Brooks and Ross Manson

The Actress

Giulia Cavallini inizia la sua formazione teatrale giovanissima a Roma con il regista francese Frédéric Lachkar, e vocale con il Maestro Antonio Rendina facendo parte del coro polifonico Clara Schumann.

Trasferitasi a Firenze segue il Teatro ragazzi di Saverio Contarini, si diploma in recitazione presso la scuola triennale di Teatri Possibili fondata da Corrado D’Elia con Laura Croce, Massimo Alì e Corrado Accordino; parallelamente seguendo un corso di recitazione nella Compagnia Venti Lucenti di Manu Lalli e Daniele Bacci.

Si specializza in Metodo Mimico di Orazio Costa con Marco Giorgetti, Pier Paolo Pacini, Marcello Prayer, Alessandra Niccolini, Marisa Crussi; diventando insegnante certificata del Centro di Avviamento all’Espressione  presso il Teatro della Pergola, Fondazione Teatro della Toscana.

Specializza la sua formazione sul teatro corporeo e gestuale con Bianca Francioni  e Ivan Baciocchi (Metodo Decroux-Marceau) e seminari con Paolo Nani, Massimiliano Civica e Teatro Sotterraneo.

Ha lavorato con Maurizio Lombardi, Livia Gionfrida (Teatro Metropopolare), Edoardo Zucchetti, Alessandro Riccio, Marco Toloni, Paolo Biribò e Marco Cappuccini.

Tiene un corso permanente di perfezionamento attoriale presso Il Vivaio del Malcantone insieme al regista Paolo Biribò.

Ha conseguito inoltre nel 2011 la Laurea in Psicologia e nel 2016 la specializzazione in Psicoterapia della Gestalt.

Dal 2019 è regista di Teatro Immersivo Firenze.

The Producer

Beatriz Cabur is an innovative and multi-faceted theatre director, playwright, lecturer, mentor, producer, translator and theatre innovator. She has written and directed over forty theatre plays in Spain, Mexico, Italy, Austria, England, Scotland and the USA.

In 2020 she started teaching “How to make DIGITAL THEATRE” in several universities around the world. Then came the workshop: “How to make DIGITAL ARTIVISM”, and a few months later came their inevitable integration: “How to make DIGITAL THEATRE ARTIVISM”, which she currently teaches, within the Performance and Digital Culture course, for students at Bard College New York; Bard College Berlin; Birkbeck, University of London; Central European University; Universidad de los Andes; and University of the Witwatersrand.

In paralel to her artistic career Beatriz has worked on building and contributing to global theatre organisations. Some of them are the following organisations: Founder of The Theatre Times. Founder of Liga de las Mujeres Profesionales del Teatro. Member of Women in the Arts and Media Coalition. International Member of League of Professional Theatre Women. Member of the international network for working playwrights, The Fence.

The Producing Agency

Aurora Nova is an international theatre booking agency and consultancy firm based in Berlin. Aurora Nova specialises in bringing physical theatre, contemporary circus and new theatrical formats to festivals and venues worldwide.

The Surtitlist

Prescott Studio nasce nel 1996 con l’obiettivo di dare un contributo altamente specializzato alla giovane prassi, a quel tempo, della mediazione linguistica per lo spettacolo dal vivo, la cui forma più nota sono i sopratitoli. E ciò è reso possibile grazie all’esperienza, già allora decennale, del fondatore della società, Mauro Conti, che esordisce come autore di sopratitoli nel 1987, per il Maggio Musicale Fiorentino – lo stesso festival che un anno prima, nel 1986, su impulso di Zubin Mehta, vede il debutto in Europa di questo particolare espediente tecnico, a tre anni dal suo debutto assoluto presso la Canadian Opera Company di Toronto (1983).
Nei suoi oltre due decenni di attività (1996-2021), Prescott Studio crea sopratitoli per circa 1500 produzioni di livello prevalentemente internazionale, collaborando con quasi 190 direttori d’orchestra, 230 registi e confrontandosi con circa 160 spazi – sia presso le maggiori istituzioni teatrali italiane sia all’estero come a esempio Parigi, Berlino, Praga, Mosca, San Pietroburgo, Muscat (Oman), Al-Manamah (Bahrain), New York, Chicago, Toronto, Santiago del Cile, Londra.
Gli almeno 350 autori affrontati fino a oggi coprono uno spettro di generi particolarmente ampio: il teatro musicale (dall’opera al musical), il teatro di prosa (dal monologo alle più complesse produzioni internazionali), il teatro di figura, le tradizioni teatrali extra-europee (kyogen), il cabaret, la prassi concertistica (dall’oratorio all’opera in forma di concerto). Altrettanto ampio è lo spettro storico abbracciato dai lavori studiati (dalla tragedia classica alle più recenti sfide del teatro contemporaneo) e il ventaglio degli spazi in cui si è operato (dal piccolo atelier al grande teatro antico all’aperto, passando dai tradizionali teatri all’italiana o dalle sale da concerto).

White Rabbit, Red Rabbit in...

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URGENT: This play is NOT overtly political, and should not be portrayed as such. It operates on a deeper, metaphoric level, and very expressly avoids overt political comment. All media and press agents have to keep in mind that the playwright is an Iranian native. We therefore ask the press to be judicious in their reportage.

Digital Experimentations and Technological Transformations

Digital Experimentations and Technological Transformations

 

I have had the honour of being interviewed by Dr Seda Ilter (Birkbeck, University of London) for this faculty-led, interview-based, research project that explores how artists have experimented with digital technologies to adapt to the new realities produced by the Covid-19 pandemic, in order to sustain and innovate their practices.

The project, led by Professor Fintan Walsh (Birkbeck, University of London), builds on the collaboration generated by the OSUN Digital Theatres Collaborative Network Course (led by Dr Ramona Moss and Dr Nina Tecklenburg) to create an accessible archive of digital experimentations and transformations in theatre and performance practice, featuring artists from Austria, Colombia, Spain, South Africa and USA. Click on the title below to watch all the interviews.

Digital Theatre Production

Digital Theatre Production

KEY AREAS

Digital Theatre Production

What to do

Staging a theatre play online involves unique considerations compared to traditional stage productions. By carefully considering these areas, you can enhance the overall experience of staging a theatre play online and ensure a successful virtual performance.

There are 13 key areas to consider when staging an online show

Platform and Technology:
  1. Choose a reliable streaming platform or service for broadcasting your play.
  2. Ensure compatibility with various devices (computers, tablets, smartphones) and browsers.
  3. Test the streaming quality and troubleshoot potential technical issues.
Digital Rehearsals
  1. Conduct virtual rehearsals to accommodate the online format.
  2. Ensure actors and crew are comfortable with the technology and the virtual space.
Cameras and Lighting
  1. Determine the cameras setup and angles for capturing performances.
  2. Optimize lighting for online viewing, considering the limitations of webcams and varying home setups.
Sound Design
  1. Invest in quality microphones for clear audio.
  2. Consider the acoustics of the virtual space and reduce background noise.
Set and Costume Design
  1. Design sets and costumes that translate well on screen and consider the possibilities of the virtual environment.
  2. Ensure that colors and details are visible and convey the desired atmosphere.
Props and Special Effects
  1. Adapt props and special effects for online presentation.
  2. Consider how certain effects may be perceived through a digital medium.
Digital Marketing
  1. Develop a robust online marketing strategy to promote the virtual play.
  2. Use social media, email campaigns, and other digital channels to reach the audience.
Ticketing and Access
  1. Implement an online ticketing system if the play is not free.
  2. Provide clear instructions on how to access the virtual performance.
Audience Engagement
  1. Explore ways to interact with the online audience, such as live chat or virtual Q&A sessions.
  2. Encourage audience participation through social media or interactive features.
Copyright and Licensing
  1. Ensure that you have the necessary rights and licenses to perform the play online.
  2. Consider the legal aspects of streaming copyrighted material.
Accessibility
  1. Provide closed captions for the hearing impaired.
  2. Ensure the virtual performance is accessible to a diverse audience.
Backup Plans
  1. Have contingency plans for technical glitches or disruptions during the live performance.
  2. Communicate backup options to the cast, crew, and audience.
Feedback and Evaluation
  1. Collect feedback from the online audience and learn from the experience.
  2. Use analytics to assess viewer engagement and improve future online productions.

24 SILT

24 SILT

Ha sido un honor participar en el XI Encuentro ente Autores y traductores que tuvo lugar durante la celebración del 24 SILT (Salón Internacional del Libro Teatral) del 9 al 12 de noviembre de 2023, coorganizado con el Centro Dramático Nacional en el Teatro Valle Inclán de Madrid.

En estos enlaces puedes informarte sobre la actividad:

Encuentro de autores con traductores

Salon SILT

Playlist en Youtube

Click aquí para ver todos los traductores que han participado en esta edición.

 

Lee más sobre esta actividad en prensa:

La Fundación SGAE exporta el repertorio dramático de los autores españoles

Noticia en Europapress

 

 

The < 3 G E N Project

The < 3 G E N Project

“Before we were conceived, we existed in part as an egg in our mother’s ovary. All the eggs a woman will ever carry form in her ovaries while she is a four-month-old fetus in the womb of her mother.

This means our cellular life as an egg begins in the womb of our grandmother. Each of us spent five months in our grandmother’s womb and she in turn formed within the womb of her grandmother.

The < 3 G E N Project

The < 3 G E N Project is a hybrid (digital-physical), immersive and interactive theatre show based on a semi-structured psychological/sociological research on the digital divide between three generations of women from the same family.

This project stems from the urgent need to investigate the profound shifts brought about by the digital age in the relationships among grandmothers, mothers, and daughters. It seeks to address the widening and often insurmountable gaps that have emerged between them. Our objective is to bring forth the evolving dynamics and roles within the female lineage, while simultaneously offering tools to enhance communication and active listening to our audience. We aim to facilitate the rediscovery of the inherent value in intergenerational bonds.

We underscore the urgency for interventions bridging generational gaps. Comprehensive support for all demographics navigating the complexities of the digital landscape becomes imperative. This is our final goal and the effect we want to have in our audience.

Phase 1 - THE RESEARCH

The first phase of the project is a research where we will gather data through an ad hoc questionnaire, aimed at analyzing how each of the members of the family relate to each other, use technology, relate to the internet and how using digital technology has affected the way they connect with each other in their personal relationships.

Keeping pace with technological advancements is becoming an immense task for all three generations. How do each of them deal with it? How does it affect them?

We can observe the digital divide growing larger and faster than ever before, what do we do about it?

The societal impact of technological evolution is profound. We live in a “state of anxiety”, collective unease as we try to grapple with rapid changes.

The questionnaire is about exploring and understanding the relationships between three generations of women: grandmothers, mothers, and daughters and the focus is on how the internet and social media have influenced these relationships.

Click HERE to share your own story with us and be a part of the project

Phase 2 - THE DATA

A team of psychologists and artists will carefully examine the gathered data. The findings from this research will be used to create a practical booklet with exercises, advice, and tips on how to strengthen the connection between grandmothers, mothers, and daughters, both in their in-person and online interactions.

Phase 3 - THE SHOW

During the third phase of the project we will devise the play text and we will stage the show.

The < 3 G E N Project show is a hybrid experience, its physical part is immersive and interactive with three different proposals for each age group. For example, the age group of the grandmother will have a screen in front of them that will show images they will relate with, for example, while a video of Elvis is playing for a video of Billie Eilish will be playing in AR in front of the granddaughter, their cultural references are all different and that will inform the images and the language we speak with each of them. In essence, the physical staging will be three different shows in one.

The < 3 G E N Project will present both a specific online staging and a live, physical performance in which the portrayal of the grandmother struggling and feeling “older and obsolete” will underscore the potential repercussions on the elderly, emphasizing the necessity for inclusive solutions that cater to their evolving needs.

The character of the mother “worrying and hiding her struggles” will bring attention to the emotional toll and internal conflicts experienced by a significant demographic. This insight is pivotal for our project, address individuals who may be concealing their difficulties.

The emphasis will be on the daughter as the “target of the pressure” and paradoxically the most vulnerable one without the support or presence of her elders in her digital life.

The Stage

The Team

Beatriz Cabur

Director and Playwright

Beatriz Cabur is an innovative and multi-faceted theatre director and playwright, Lecturer, Digital Innovator, and Mentor. She has written and directed over forty theatre plays in Spain, Mexico, Italy, Austria, England, Scotland and the USA. Beatriz has been creating, writing and directing digital and online theatre, and theatre for social media, videoconferencing software, and livestream channels since 2012.

Giulia Cavallini

Psychologist and Director

Giulia Cavallini is a psychologist and gestalt psychotherapist with an active private practice working with individuals, couples and families. She graduated in acting at Teatro della Pergola (the national theatre in Florence) and is currently the theatre director of an immersive theater company in Florence. Giulia is involved in therapy groups and hosts women’s circles around the theme of women’s empowerment. Giulia also is a diversity and inclusion teacher at Gestalt Institute of Florence.

Violetta Mazurina

Software Engineer

Violetta is a Software Engineering student at the American University of Central Asia passionate about creating innovative solutions through coding and problem-solving. She has a strong foundation in programming languages such as Python, Java, C, and C++. She constantly expands her skill set to stay updated with the latest industry trends and technologies. She envisions a future of continuous technological advancement, where she aspires to contribute to groundbreaking software that elevates user experiences and fuels innovation.

Victoria Melo

Electronic Media

Victoria is an art student in her senior year, majoring in electronic media and time arts. Her work focuses on sound and video; sound art and photography with videographic approaches. She also excels in the creation of generative animations, designing immersive and interactive installations through creative code. From there, she works with electronic circuits, including both circuit bending and Arduino projects.

The Characters

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Individual User App Analytics Report
User: Noa, Age 16
Date: October 10, 2023
App Version: 2.0
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**Summary:**
– User Name: Noa
– Age: 16
– Total Time Spent in App: 2 hours
– Most Used Feature: Chat
– Recent Achievement: “Explorer” badge

**Feature Usage:**
– Chat: 70 minutes
– Virtual Wardrobe: 30 minutes
– Daily Quests: 20 minutes

**Performance Metrics:**
– App Crashes: 1 crash
– Load Time: 2 seconds on average
– Errors Logged: 5 in the past month

**In-App Activity:**
– Number of In-App Purchases: 1 (Virtual outfit)
– Favorite Avatar: “Galaxy Explorer”
– Friends Added: 3 new friends
– User Rating: 4.5 stars

**Location Data:**
– Most Used Location Feature: Nearby Friends

**Advertising Data:**
– Ad Impressions: 100
– Ad Click-Through Rate: 5%
– Ad Conversions: 2

**User Feedback:**
– Positive User Review: “I love this app! Chatting with friends is awesome.”
– User Suggestions:
– More outfit choices
– Add new chat emojis

**Privacy and Data Usage:**
– Data collected includes location (with consent), device type, and usage statistics.
– User data is used to personalize the app experience and is protected according to the app’s privacy policy.

**Recommendations and Insights:**
– Noa enjoys the chat feature; consider enhancing it further.
– Optimize app performance to reduce crashes and improve the user experience.
– Consider adding more outfit choices and chat emojis based on user feedback.

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Individual User App Analytics Report
User: Emma, Age 40
Date: October 10, 2023
App Version: 2.0
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**Summary:**
– User Name: Emma
– Age: 40
– Total Time Spent in App: 30 minutes
– Most Used Feature: Virtual Wardrobe
– Recent Achievement: “Fashionista” badge

**Feature Usage:**
– Virtual Wardrobe: 25 minutes
– Daily Quests: 5 minutes
– Chat: 0 minutes

**Performance Metrics:**
– App Crashes: 0 crashes
– Load Time: 1.5 seconds on average
– Errors Logged: 0 in the past month

**In-App Activity:**
– Number of In-App Purchases: 2 (Virtual outfits)
– Favorite Avatar: “Elegant Eveningwear”
– Friends Added: 1 new friend
– User Rating: 4.2 stars

**Location Data:**
– Most Used Location Feature: Local Deals

**Advertising Data:**
– Ad Impressions: 50
– Ad Click-Through Rate: 4%
– Ad Conversions: 1

**User Feedback:**
– Positive User Review: “Enjoying the wardrobe feature. Great app!”
– User Suggestions:
– More discount offers in the local deals section
– Variety in avatar hairstyles

**Privacy and Data Usage:**
– Data collected includes location (with consent), device type, and usage statistics.
– User data is used to personalize the app experience and is protected according to the app’s privacy policy.

**Recommendations and Insights:**
– Emma is a fan of the virtual wardrobe; consider expanding fashion choices.
– The app performs well with no crashes; maintain this high quality.
– Respond to user feedback by adding more variety in avatars and discounts in local deals.

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Individual User App Analytics Report
User: Giuseppina, Age 70
Date: October 10, 2023
App Version: 2.0
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**Summary:**
– User Name: Giuseppina
– Age: 70
– Total Time Spent in App: 10 minutes
– Most Used Features: Cooking and Sewing
– Recent Achievement: “Master Chef” badge

**Feature Usage:**
– Cooking: 5 minutes
– Sewing: 5 minutes
– Daily Recipes: 0 minutes

**Performance Metrics:**
– App Crashes: 0 crashes
– Load Time: 2 seconds on average
– Errors Logged: 0 in the past month

**In-App Activity:**
– Number of In-App Purchases: 1 (Sewing patterns)
– Favorite Recipe: “Classic Apple Pie”
– Friends Added: 0 new friends
– User Rating: 3.8 stars

**Location Data:**
– Most Used Location Feature: Local Craft Stores

**Advertising Data:**
– Ad Impressions: 20
– Ad Click-Through Rate: 3%
– Ad Conversions: 0

**User Feedback:**
– Positive User Review: “Perfect app for cooking and sewing enthusiasts!”
– User Suggestions:
– More vintage sewing patterns
– Option for larger text for easy reading

**Privacy and Data Usage:**
– Data collected includes location (with consent), device type, and usage statistics.
– User data is used to personalize the app experience and is protected according to the app’s privacy policy.

**Recommendations and Insights:**
– Giuseppina enjoys both cooking and sewing features; consider adding more vintage sewing patterns and classic recipes.
– The app is stable with no crashes, but improvements could be made to accommodate older users, such as an option for larger text.
– Continue listening to user feedback and making the app more accessible to a wider age group.

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Digital Theatre Workshop

Digital Theatre Workshop

dtw

The Future of Theatre

This page has been created to host the resources shared or used by Beatriz Cabur during her Digital Theatre Workshop. She has taught this Digital Theatre Workshop at Birkbeck, University of London, at the RESAD Madrid; and in New York, Berlin, Bogotá, Johannesburgh, Vienna, several cities in the UK, Turkey, Italy and Spain.

If you want to book Beatriz to teach this workshop click here.

6 + 7 =

Digital Theatre Artivism Workshop

Digital Theatre Artivism Workshop

DIGITAL THEATRE ARTIVISM

Create the change you want to see in the world

What is Digital Theatre Artivism?

DIGITAL THEATRE ARTIVISM is the action of creating a live performance that integrates various digital elements, such as virtual environments; multimedia content; live streaming; interactive elements; and digital storytelling techniques; into a theatrical context, to effectively create the change we want to see in the world.

Features

From the Basics to the Finer Details

Over the course of four weeks, participants will embark on an immersive journey into the realm of Digital Theatre, delving into both fundamental and advanced aspects of this captivating medium.

We will examine the terminology, concepts, diverse forms, and boundless possibilities of Digital Theatre, drawing from the rich tapestry of 12 years of practical experiences and productions staged by the workshop leader.

100% Online

This course is a global experience. It has been developed to be taught online, so students can collaborate through campuses in different countries.

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Supplemental Resources

The students will have access to learning resources, recommended software, bibliography, videos and digital theatre plays.

Assignments

Between sessions participants will be tasked with concise individual and collaborative assignments, research and creating with AI tools.

Live Performance

We will present our Digital Theatre Artivism creation during the fourth session, fostering a strong sense of global community.

Session 1

Starting With The Basics

Our inaugural session will commence with a comprehensive presentation that shall lay the foundational groundwork for the subsequent sessions. This presentation is designed not only to clarify key concepts but also to ignite the imagination, creativity, and enthusiasm among the participants.

Assignment 1

If you are taking this course, click here to view your first assignment

Assignment 2

If you are taking this course, click here to view your second assignment

Assignment 3

If you are taking this course, click here to view your third assignment

Assignment 4

If you are taking this course, click here to view your fourth assignment

Assignment 5

If you are taking this course, click here to view your fifth assignment

Assignment 6

If you are taking this course, click here to view your sixth assignment

Assignment 7

If you are taking this course, click here to view your seventh assignment

Assignment 8

If you are taking this course, click here to view your eighth assignment

Final Assesment

If you are taking this course, click here to view your last assignment.

Get in Touch

Digital Theatre Generative Card Game

Digital Theatre Generative Card Game

DIGITAL THEATRE CARD GAME

Explore the endless possibilities of Digital Theatre

Unleash the power of Digital Storytelling with this Digital Theatre creation experience. Dive into the world of theatre-making, where creativity meets technology.

This unique Digital Theatre Generative Card Game, created by Beatriz Cabur, is designed to enhance your understanding of Digital Theatre production and stimulate your creative thinking.

Whether you’re a student, teacher, professional, or simply an enthusiast, this game will help you explore the endless possibilities of combining and permutating various factors in Digital Theatre shows.

Instructions:

Each pair of cards are opposite

Pick one card from each number (i.e. 1A, 2B, 3A, 4A, 5B, 6B, 7A, 8A)

Plan a show including all the conditions you have selected

Enjoy!

Take your digital theatre journey to the next level and book Beatriz for an enlightening hands-on digital theatre making workshop.

Together, let’s redefine the boundaries of performance and embrace the digital stage.

 

 

Artivismo Digital para la Generación Z

Artivismo Digital para la Generación Z

GenZ

Artivismo Digital

Esta página se ha creado para alojar los recursos compartidos o utilizados por Beatriz Cabur durante su curso para profesores sobre Artivismo Digital para GenZs.

Este curso se ha impartido a profesores de secundaria en España como parte del programa de Teatro y Coeducación en el siglo XXI, que pretende promover la enseñanza de la igualdad y la diversidad sexual a través del teatro, entendido este como herramienta educativa. Se hace necesario que el profesorado conozca y tenga acceso a muestras significativas de nuestra cultura contemporánea, que nunca consigue espacio en los libros de texto, con especial atención al teatro escrito, dirigido e interpretado por mujeres, que trabajan actualmente con una conciencia clara de su posición como mujeres en el mundo y con un compromiso con la educación. Este curso, por tanto, viene a cubrir este hueco de los currículos educativos que ven difícil cumplir y aplicar esta necesaria Ley de Igualdad por falta de recursos.

Si estás interesadx en hablar con Beatriz para que imparta este curso en tu institución haz click aquí.

Para analizar y compartir con el alumnado

Para analizar y compartir con el alumnado

15 + 7 =

Escribir para la Escena, Hoy.

Escribir para la Escena, Hoy.

Escribir para la Escena, Hoy.

La Academia de las Artes Escénicas de España ha publicado un volumen titulado “ESCRIBIR PARA LA ESCENA, HOY”, compilado y editado por Pilar Jódar Peinado, Roberto García de Mesa, Valle Hidalgo y Julio Salvatierra.

Mi texto dentro de este volúmen se titula ARTIVISMO EN EL SIGLO XXI.

Es un honor estar entre tantas y tantos grandes de la dramaturgia española contemporánea, porque el libro también incluye textos de Albert Tola, Alfonso Plou, Antonio Tabares, Aurora Mateos, Borja Ortiz de Gondra, Carmen Resino, Denise Despeyrouz, Eva Hibernia, Guillermo Heras, Heidi Steinhardt, Jerónimo López Mozo, José Moreno Arenas, José Ramón Fernández, Juana Escabias, Julio Fernández Peláez, Laila Ripoll, Laura Iglesia, Lourdes Ortiz, Pablo Messiez, Paloma Pedrero, Rodolf Sirera, Rodrigo García y Victoria Szpunberg Witt.

Si quieres leer todos en constelación puedes comprar el libro aquí.

Si quieres ver la presentación del libro en el Salon Internacional del Libro Teatral haz click aquí

Uno de los significados originales de la palabra “mímesis” no era solo la representación de la historia y el texto de los personajes, sino también la representación del poeta, del autor.

En otras palabras, los “Homeridai” no eran solo los recitadores de la Ilíada y la Odisea de Homero, sino que representaban al propio Homero como autor.

 

Gregory Nagy

Filólogo helenista

Porque el arte nunca se crea ex nihilo, cada pieza artística es un palimpsesto.

Genette, Kristeva, Barthes...

Escribir para la Escena: Artivismo en el Siglo XXI, de Beatriz Cabur

 

Tuve la gran fortuna de tener como profesor a Ricardo Doménech (Murcia, 1938 – Madrid 2010), escritor, ensayista y uno de los estudiosos fundamentales del teatro español del siglo XX. Durante sus clases de dramaturgia, Ricardo nos otorgó un honor inmerecido: Caminar entre los grandes. Cada semana elegía a un autor dramático y sus alumnas teníamos que escribir “la escena perdida” de la obra que nos presentaba. Escribir “a la manera de”, lo llamaba él. La idea era que si una persona que no hubiera leído dicha obra encontrara un ejemplar con nuestra escena intercalada entre sus páginas, no fuera posible distinguir nuestra contribución de la obra original. Estos ejercicios fueron una revelación. Para poder escribir como Sófocles, Lope, Mayakowski, Shakespeare, Valle-Inclán, Buero, Borges… tuvimos que hablar con ellos de una manera íntima, de escritora a escritor. Intentando escribir como ellos pudimos entender qué pensaban cuando escribían de una manera u otra y por qué lo hacían como lo hacían. Descubrimos su esencia a través de sus voces. Personificar las voces de los grandes sin tener la nuestra aún definida, nos abrió el camino a la dramaturgia de una manera pragmática y singular. La lección de Ricardo era doble: Aprender por qué y cómo eran grandes y la importancia de encontrar nuestra propia voz como escritoras.

 

Así que, ¿qué es La Voz? La Voz es lo que nos distingue, lo que nos hace únicas e interesantes. La materialización de la identidad propia y de nuestras decisiones, plasmada en el texto o recreada en el escenario. Nuestra capacidad de expresión cristalizada en un estilo propio, que representa nuestra identidad, en el tiempo y el espacio en el que vivimos, de manera discernible con respecto a cualquier otra.

 

Pero la voz de cada escritora, y las de Sófocles, Lope, Mayakowski, Shakespeare, Valle-Inclán, Buero, Borges, y todos los demás, están formada de muchas otras voces, y al escribir nos posicionamos en torno a ellas. Todo texto acaba siendo un eslabón en la cadena, muy complejamente organizada, de otros textos.

 

Se dan influencias directas en las “Familias Literarias” descubiertas por James O’Sullivan, profesor de Artes Digitales y Humanidades de la University College Cork, en su investigación[1], mediante Estilometría[2] y Estilogenética[3], en la que sugiere que los parientes literarios comparten estilos de escritura similares, o influencias indirectas proclamadas por Bajtín, Ducrot, Barthes y muchos otros cuando hablan de la Polifonía de voces[4], la Hipertextualidad y la Heteroglosia.

 

Y aquí llegamos a mi perspectiva como dramaturga. Si todo texto o discurso está constitutivamente atravesado y habitado por discursos ajenos, mi misión será entender mi responsabilidad y decidir conscientemente quién atraviesa mis obras y para qué. La Polifonía de Voces a escena se manifiesta en el Teatro Verbatim.

 

El Teatro Verbatim es una forma de Teatro Documental. El Teatro Documental surge en 1920 después de la revolución rusa como método de propaganda, llamados “periódicos vivos” ponía en escena sucesos reales que eran representados por una facción llamada las “Camisas Azules”. El Teatro Documental se expande (o surge casi simultáneamente) por todo el mundo y engloba diferentes derivaciones como el Teatro Investigativo, el Teatro Democrático, y el Teatro Verbatim.

 

Me acerco al Teatro Documental en 2006 con “La Ascensión y Caída de Erika Adler” en el que creo un personaje que no existe, pero circunscrita en el mundo real y rodeada de personas reales e históricas, al final la audiencia cree que Erika existió y todas las acciones y logros que le atribuyo sucedieron. En 2015, en “Nefertiti y Piii” pongo en escena cinco personas reales convertidas en personajes, por primera vez aparece Beatriz Cabur[5] como personaje y por primera vez incluyo un texto real de otra persona en una obra. La experiencia me fascina. He llegado al Teatro Verbatim. Mi siguiente obra, “Breakfast at Daddy’s” es un encargo de una compañía Neoyorkina y para escribirla me envían setenta entrevistas realizadas a mujeres de edades comprendidas entre 20 y 75 años en Estados Unidos en los que comparten su experiencia sobre sus abortos.

 

Esta es la particularidad del Teatro Verbatim, que se basa en entrevistas o testimonios y utiliza textos reales, palabra por palabra, transportando experiencias y palabras de la vida real al escenario. No tiene por qué utilizar historias ni escenas o momentos completos, una misma obra puede contener material de diferentes personas o momentos seleccionados para crear una realidad dramática coherente. Es decir, yo, como autora, selecciono las respuestas a las entrevistas que funcionan para crear los personajes o situaciones relevantes para la obra, a veces me ocupo de homogeneizar el estilo entre respuestas dadas por diferentes encuestadas para que parezcan dichas por el mismo personaje.

 

Poco a poco, encontrando mi voz en escuchar e incluir otras, se materializa la razón de mi escritura, mi motor como dramaturga, es la lucha contra la desigualdad, la opresión en cualquiera de sus formas, la desigualdad sistémica de oportunidades, el maltrato, la violencia de género, la violación, el privilegio de unos a costa del sufrimiento de otras, la invisibilidad y el ninguneo de todo ello.

 

Cuando tratamos estos temas y utilizamos experiencias y palabras de personas reales el resultado es lo que he llamado el Teatro de la Agencia.

 

Derrumbando estructuras y factores de influencia, como clase social, religión, género, etnia, capacidad, costumbres, etc., el Teatro de la Agencia intenta ayudar a personas, grupos y comunidades oprimidas a actuar independientemente en el mundo y tomar, con libertad, sus propias decisiones. El Teatro de la Agencia es crudo, abierto, honesto, hay fuerza en la vulnerabilidad. En él las líneas que separan personajes y actores no están definidas en todo momento. A veces, la audiencia no sabe si el cuerpo que se dirige a ellos es una persona real o un personaje. Es común que los actores entren y salgan del personaje a lo largo de la obra y que la cuarta pared se rompa constantemente. Es un teatro postmoderno en el sentido de que puede haber una historia, o varias, pero no importa y hasta se puede dejar inconclusa. Lo que importa son las consecuencias emocionales en los personajes o personas en escena y en el público, y el arco que va desde la opresión a la reclamación de su agencia y su poder. Es un teatro que se preocupa por los sentimientos de la audiencia, agitador e inclusivo y que a través de los personajes o interpelando y estableciendo una relación con el público, abre un diálogo que finalmente otorga agencia y poder a personas, grupos y comunidades oprimidas.

 

El Teatro de la Agencia se distingue del Teatro del Oprimido en que este último es teatro de las clases oprimidas y para los oprimidos, y su objetivo es desarrollar una lucha contra estructuras opresoras. En el Teatro de la Agencia, sin embargo, el público está compuesto de oprimidas y opresores. Por ejemplo, mi obra “The Mind Boggling Shrinking Woman”, trata sobre la violencia obstétrica, escrita para representarse en Londres en un congreso al que asistían tanto madres como profesionales de la obstetricia. Desplazados de su espacio de poder y destituidos de su autoridad, los opresores no pueden más que presenciar las consecuencias de sus acciones rodeados de sus víctimas. La experiencia culmina cuando encendemos las luces de sala y comienza la conversación y el diálogo transformativo entre la audiencia. Desdibujadas las estructuras establecidas y derrumbadas las jerarquías, la gente se atreve a expresarse con libertad.

 

Así, mi objetivo como dramaturga es crear un espacio seguro que permite a la audiencia viajar de la empatía a la performatividad al valor al diálogo. Un espacio donde los actores se convierten en la audiencia de la audiencia. Para eso está mi voz como dramaturga, una polifonía premeditada, que intenta amplificar experiencias, crear valor común, solidez y fortaleza.

 

Ese es mi viaje como autora teatral: De Stanislavsky y su modelo triangular cerrado de director, actor y escritor, con el escritor en la parte superior, pasando por Meyerhold respondiendo con su teatro de la línea recta y sus cuatro elementos clave: escritor, director, actor y audiencia en igualdad de condiciones, hasta la ascensión de la audiencia como creadora y mi búsqueda final de la comunión autora-espectadoras en un mundo de prosumidoras[6]. Artivismo[7] escénico en el Siglo XXI que para acercarse a otros públicos acaba evolucionando a, demos una vuelta de tuerca más: el Teatro de la Agencia Digitalizado.

 

¿Qué es el Teatro Digitalizado? Antes de la pandemia Teatro Digital se consideraba cualquier teatro que incluyera elementos digitales en su puesta en escena, fuera internet uno de estos elementos o no. Después de la pandemia el término Teatro Digital se ha resemantizado y ahora se refiere al Teatro a través de internet. Es la transcreación de la experiencia teatral al escenario digital. Hay varios tipos.

 

El Teatro Online es teatro que sucede a través de internet, se puede haber creado un escenario digital específico para ello, como construir una web nueva, o puede utilizar estructuras previas, como por ejemplo el Teatro en Redes Sociales, que es teatro escrito y representado en plataformas como Twitter, TikTok, Facebook, etc. El Teatro en Plataformas de Livestream es teatro representado a través de Youtube, Twitch, etc. El Teatro a través de Software de Videoconferencia es teatro representado a través de Zoom, Skype, etc. El Teatro Transmediático combina medios de comunicación, hasta pudiendo incluir teatro tradicional, para componer una escena más compleja y rica en posibilidades de interconexión con la audiencia.

 

El Teatro Digital se basa en la idea de que en el mundo en el que vivimos hacer una obra online equivale a hacer teatro de calle, la audiencia ya está ahí, podemos hacer que venga o podemos ir a su encuentro. Ahora mismo somos y existimos en una realidad multimediática. ¿Por qué no vamos a crear un teatro que apele a esa parte de nuestro ser? Un teatro que se comunica utilizando los mismos medios y lenguajes incorporados desde hace tiempo a nuestra realidad cotidiana. Una de mis últimas experiencias ha sido digitalizar un montaje de teatro de calle en Sudamérica, en el que un personaje es un turista y otro es un nativo sordo y con problemas de visión. El espectáculo tiene dos propuestas escénicas, la física para el público de calle, y la online para el público en internet y el de calle a través de sus dispositivos móviles. En la versión online, se pueden ver dos pantallas simultáneamente: la del turista es vertical, el mensaje es rápido, utilizando lenguajes propios de la Generación Z, el actor en escena lleva una pantalla verde pegada a su espalda, detrás de la pantalla verde está escrito el vínculo desde donde se ve puede ver la versión online. La perspectiva del nativo sin embargo es reflejada en una pantalla horizontal, el lenguaje fílmico sosegado, al video le aplicamos los filtros necesarios para que la audiencia oiga y vea como ve el actor (y el personaje). Oponemos perspectivas y creamos un montaje solo realizable en el mundo digital, que aporta contenidos que en el mundo real no podríamos escenificar, creando así nuevas posibilidades y significados. Esto es Teatro Digital Híbrido, en el que tenemos un público presente reunido en el mismo espacio y un público online en directo. Si el escenario se crea en la mente del espectador todo lo demás son herramientas, ¿por qué no utilizarlas?

 

Para mí no tiene sentido rechazar la realidad. Anclarse en lenguajes pretéritos. Aunque todavía hay mucha resistencia frente a la innovación escénica, el futuro llega para todos, queramos o no. Mi trabajo como autora es crear y enseñar cómo crear experiencias escénicas, sean digitales, online, transmedia, multimedia o híbridas, para que los grupos y personas oprimidas recuperen su fuerza, y los opresores entiendan y consideren las consecuencias de sus acciones, presentándoles y representándoles la realidad percibida desde el otro lado. ¿Funciona? A veces. ¿Merece la pena intentarlo? Siempre.

 

[1] The sociology of style: Writing and influence within literary families.

https://www.sciencedirect.com/science/article/abs/pii/S0304422X21001169?via%3Dihub

 

[2] La Estilometría es una metodología estadística para analizar textos, ayudada de otras auxiliares, como la informática, la estadística y la filología. La Estilometría permite determinar la autenticidad y atribución de los textos, es decir es un tipo de análisis de textos cuyo objetivo es conocer y distinguir el estilo propio de cada escritor.

 

[3] La Estilogenética es un tipo de análisis de textos cuyo objetivo es conocer al escritor como persona. Las propiedades que se analizan a menudo son incluidas inconscientemente por el escritor, como indicativos de género, edad, ubicación geográfica del escritor, características de personalidad, etc.

 

[4] La Polifonía de Voces es un concepto introducido en el marco de la teoría del análisis del discurso por Mijaíl Bajtín. “Todo hablante es de por sí un contestatario, no es un primer hablante, que ha interrumpido por primera vez el eterno silencio del universo, y no presupone únicamente la existencia del sistema de la lengua que utiliza, sino que cuenta con la presencia de ciertos enunciados anteriores, propios y ajenos, con los que su enunciado determinado establece toda suerte de relaciones, se apoya en ellos, polemiza con ellos, o simplemente los supone conocidos por su oyente.” (Bajtín, 1982: 258).

[5] Pero representación de la autora en cuanto que parte de la historia, de la vida que recrea la obra, no precedente ni transcendente a la obra sino como aquí y ahora. Nacida con el texto en sí, al igual que el resto de los personajes, con una presencia en todo caso performativa, no autoritaria, no jerárquica, al mismo nivel que la audiencia. Compiladora o comentarista de múltiples realidades ajenas.

 

El monje franciscano del siglo XIII, San Buenaventura, identificó cuatro tipos de hacedores en la elaboración de libros: (1) el escritor o escriba que simplemente copiaba, (2) el compilador, que reunía pasajes de textos que no eran suyos, (3) el comentarista, que añadía su propio comentario a las palabras de otros y (4) el autor, que escribía tanto en sus propias palabras como en las palabras de otros, sin embargo, las palabras de otros estaban allí principalmente para apoyar sus propias palabras que así tomaban protagonismo en el texto.

[6] La palabra “Prosumidora”​ es un acrónimo formado por la fusión original de las palabras productora (también profesional o proveedora, según el contexto) y consumidora.

[7] Activismo a través del Arte.

Performance in a Post-Human Age

Performance in a Post-Human Age

Performance in a Post-Human Age

In January 29th I taught a seminar on Digital Theatre within the projecct Performance in a Posthuman Age and The Circus of Freaks.

It was my first experience teaching with simultaneous translation. The translator was perfect, and the seminar very engaging for all the students, who at the end of it posed brilliant questions, shared their doubts, and gave me wonderful feedback. It was a lovely experience made possible by the wonderful Seda İlter, curator of the project, and I couldn’t be more thankful I had the opportunity to participate in it.

Performance in a Posthuman Age and The Circus of Freaks was the second research project of digitalLABperformans.

The project posits the theories of ecocriticism and ecofeminism in the context of posthuman and focuses on the intersection of these theories and theatre and performance art.

The project was supported by the British Council Creative Collaborations Grant Program (@turkeybritishcouncil).

The physical activities of the program were held in Salt Galata (@salt_online) as part of Salt’s Open Rehearsals program.

Two open rehearsal presentations which include dramaturgy laboratory outputs and eight different seminars were shared with the audience within the scope of the project, which was supported by London University, Birkbeck Centre for Contemporary Theater.

The Freaks Circus Dramaturgy Laboratory focuses on the iconic gothic characters of posthuman literature, Shakespeare’s supernatural heroes, and the monsters of Anatolian geography, inspired by ecofeminist thinker Donna Haraway’s images of cyborgs, freaks, and monsters. Within the scope of the workshop, texts on mythological and literary characters were reinterpreted in the context of ecocriticism and ecofeminism with actors and written.

Curators: Şule Ateş, Seda İlter (@atess.sule, @sedailter)
Director: Şule Ateş
Dramaturg: Eylem Ejder, Miran Bulut (@do_las_mak, @miranbulut)
Communication and Visual Design: Yaşam Özlem Gülseven (@yasamozlem)

My Digital Theatre Timeline

My Digital Theatre Timeline

Find below a timeline of all the Digital Theatre shows I have directed from 2001 to 2024.

Feel free to contact me if you would like more information on any of them.

Why do I consider each one of this shows to belong under the Digital Theatre Category?

How were they staged?

What did I learn from them?

AMA.

2022-2023 Season

2022-2023 Season

Some highlights of my last term of 2022 are the workshops I taught in the United Kingdom, Germany and Spain:

The essay on my own journey as a theatre maker published by the Academia de las Artes Escénicas in Spain.

And the end of the development stage of Life is a Dream to be performed in New York. I have also translated this piece into Spanish because it will have a lovely life in Spain and with Spanish speaking audiences anywhere.

Now onto the next thing!

Oriente Plus, a Caribbean story

Oriente Plus, a Caribbean story

Oriente Plus, a Caribbean story

I met Signdance Collective, in 2013, when they wanted to stage Carthage, a play by my dear friend Caridad Svich, who introduced me to them. They flew me up to Austria to direct the show, where I was met by Isolte Avila and David Bower, the artistic directors of the company, two artists exceptional from every angle. The work they have been doing for thirty years is a legacy to the theatre and to the new generations. It includes signlanguage, dance, performance, live music, and loads of talent and hard work.

 

This time, in March 2022, I have directed the digital show that comes out of Oriente Plus, a Caribbean story, their first original sign dance theatre outdoor/touring piece created specifically for the new state of being, by Pedro de Senna.

Robert Corcoran and I have been testing and experimenting with Twitch, TikTok, OBS, Facebook Live, Instagram, EpocCam, Streamlabs, and many more. We have been testing the capabilities and effects within those platforms, applications and softwares, with green screens in real life and in-app, aiming to create a unique perspective for the digital audiences, while embeding everything into a unified online stage, not easy.

Oriente Plus, a Caribbean story, the digital show, allows us to share the points of view of two different characters at the same time. Those points of view are also reflected in the way they share them with us: The character of the Vulture is a young person extremely comfortable with technology and living fast, playing around with effects and filters in vertical videos that engage his audience, while the character of the Serpent reflects a more introspective artistic slow world, in which we can see and hear things the way he does, and reality is still horizontal, and not immediate but postproduced, as the way we think as we gather more experience in life, with our thoughts stretching through time.

We have also been rehearsing how to capture it all on cameras, where to put the cameras in the performers, how to use them, and how to integrate them and the green screens with the characters on stage, making it all part of the real life show itself.

It all belongs to the story we are sharing. The form of expression is conditoned by the essence of the message, and that is how the digital show has been developed and integrated with the real life show.

The piece will have its official previews at The Cockpit Theatre in London March, 2022, and its European premiere in Graz, Austria in May 27th & 28th, 2022, from where it will go on a quite extensive tour.

Performances at The Cockpit Theatre

31 March 2022 (Workshop and Show Package)
Thu 31 Mar 2022 – 1:30pm (Show Only)
Thu 31 Mar 2022 – 7:30pm (Show)
Fri 1 Apr 2022 – 7:30pm (Show)
Sat 2 Apr 2022 – 2pm (Show)
Sat 2 Apr 2022 – 7:30pm (Show)

Peckham Fringe
Tuesday 24th May – 2pm
Wednesday 25th May – 2pm
Thursday 26th May – 7.30pm

Sir William Borlases Theatre Marlow
Thursday 26th May – 7pm

Brighton Fringe at Fishing Museum Gallery
Wednesday 1st June – 1pm and 3pm
Thursday 2nd June -1pm and 3pm
Friday 3rd June – 1pm and 3pm
Saturday 4th June – 1pm and 3pm
Sunday 5th June – 1pm and 3pm

Salisbury International Arts Festival
Wednesday 8th June – 7.30pm

Ludlow Festival
Wednesday June 29th
Thursday June 30th
SAVVY Theatre
Saturday July 2nd

Chesham Market Square
Friday 29th July
Saturday 30th July

This is a story about the things that keep us together, even when the world tears us apart. A story about poetry, music and culture. A story that doesn’t look like a story, but moves in its own way, sinuous, snake-like, circling like a vulture, gliding and diving through the air. A story about a mother and daughter losing each other and finding themselves in the memories of all the mothers and daughters that came before them and made them who they are. This is a Caribbean story, a story of power cuts and generators, of crossroads and ocean crossings, of haunted bodies and dancing souls.

Pedro de Senna

Playwright

 
Oriente Plus, A Caribbean Story by Pedro De Senna
Collaborative Director: Beatriz Cabur
 
Digital Show Director: Beatriz Cabur
Digital Show Assistant Director: Robert Corcoran
 
Music: David Omni & Angelina Schwammerlin
Design: Viviana Molinares & Robert Corcoran
Additional Poetry: Tarik Jones Cameron
 
With:
Isolte Avila as Maria
Ivani Ca as Ana
David Bower as Serpent
Robert Corcoran as Digital Vulture
 
Production:
Soobie Whitfield & Isolte Avila
 
Outreach:
Soobie Whitfeld & Golda Dahan

Sacrifice: A Clytemnestra Story

Sacrifice: A Clytemnestra Story

Sacrifice: A Clytemnestra Story

In 2012 I was closely connected to a group called The Internationalists, they held a playwriting contest in which the prize was getting either a reading or a production of your play in five different countries. In that year, the winner was The Hummingbirds, by Garret Jon Groenveld. I got to direct it in Spain.

Read the annoucement we did about it here, have a look at the gorgeous poster we had for it here, read about the presentation here, and about the second run here.

It was a lovely experience, specially because Garret came all the way from San Francisco to see it. He slept through it because he was terribly jet lagged but I took him out to party and here we are. Almost ten years later, still admiring each other’s work, still caring about each other.

(He didn’t really slept through the whole thing, I was adding a bit of drama to this post. Read the review he wrote about the show here.)

Garret Jon Groenveld is one of the best playwrights out there right now. His texts have this particular quality that makes you realise you are in the presence of greatness.

So after all these years, he called me again to direct a reading of his latest play and we did “Sacrifice: A Clytemnestra Story” on Sunday 7 November at 7:00PM, at The Cockpit Theatre in London.

Sacrifice – A Clytemnestra Story by Garret Jon Groenveld

The classical Greek story through her eyes: A Queen is often asked to give up what she wants – for her country, for her sister, for her husband – when it comes to her daughter – what will she do?

Denise Pitter, Clytemnestra
Esther Tan, Iphigenia
Garret Groenveld, playwright
Beatriz Cabur, director

Video Credits from the show

Denise Pitter as Clytemnestra and Esther Tan as Iphigenia in a still from the show

Denise Pitter and Esther Tan in rehearsals

Denise Pitter and Esther Tan in rehearsals

La responsabilidad de crear un mundo igualitario

La responsabilidad de crear un mundo igualitario

La responsabilidad de crear un mundo igualitario

La responsabilidad de crear un mundo igualitario es una conferencia que impartí en unas jornadas para profesores coordinadas por Pilar Jódar. La revista Godot la publicó el 22 de Septiembre de 2021. El texto íntegro está a continuación.

 

Hola a todas y todos.

 

¿Cómo estáis?

 

Antes de empezar me gustaría darle las gracias a la locomotora que es Pilar Jódar, por invitarme a participar en estas jornadas en las que tan bien acompañadas y acompañados estamos, por dramaturgas y asistentes.

 

Muchas gracias, Pilar por el trabajazo y enhorabuena por el resultado.

 

Muchas gracias también a Rocío Jódar, Carmen Mangas, Blanca Rivero, Pedro Cortés y María Fernández por su trabajo sobre mi obra.

 

Es un honor.

 

Le he dado muchas vueltas a qué compartir con vosotras y vosotros hoy.

 

Por un lado, he pensado en qué sería lo más interesante para vosotras y vosotros dentro de mi carrera profesional.

 

Por otro lado, en qué sería lo más práctico que podría compartir que tenga aplicaciones directas en vuestras aulas.

 

En tercer lugar, considerando el material que se iba a presentar hoy aquí, antes de mi intervención, he pensado que quizá os interesaría que os diera la perspectiva única que tuve desde detrás de las bambalinas, sobre lo que acabamos de ver. ¿Cómo lo escribí? ¿Por qué? ¿Cuándo se estrenó? ¿Cómo se recibió? ¿Qué impacto ha tenido?

 

Considerando esta tercera opción he releído las obras que acabamos de tratar y revisitado mi propio corpus en general.

 

Y me he sorprendido a mí misma.

 

Me gustaría recapacitar sobre ello un momento y compartirlo con vosotras y vosotros.

 

Os explico lo que me ha sorprendido…

 

En 1996 escribí mi primera obra dramática.

 

La obra se titula “No quiero molestar a nadie”, es un acercamiento a las personas sin hogar que mendigan en el metro de Madrid. La protagonista es una mujer, madre de una niña de 4 años.

 

Pero el foco no está en las razones que hacen que una mujer se encuentre sola en esa circunstancia.

 

La obra no tiene una perspectiva de género en absoluto y la maternidad de la protagonista no se recoge más que en una frase por la que pasa en una retahíla que recita monótonamente, una y otra vez, a los pasajeros de cada vagón.

 

En 1998 escribí y me publicaron “Cuadro de sábanas”.

 

Dos amigas hacen una cama en la que una de ellas acaba de dormir con un hombre casado. A pesar de lo que pueda parecer, el texto tiene cero perspectiva de género. Los temas centrales de esta obra son las relaciones de pareja y la fidelidad.

 

En “VITRO” en el año 2000, escribí uno de los personajes femeninos más fuertes e independientes que os podáis imaginar: Martina Bergström.

 

Bergström es una palabra compuesta cuya raíz es literalmente “montaña”. Así de fuerte quise hacer a Martina.

 

Pero pesar de lo fuerte e independiente que es, tampoco representa ni participa en una lucha social contra las estructuras establecidas.

 

Martina, es la única mujer en un reparto de seis personajes, y lucha sola contra todos los hombres que se encuentra por delante. Sola.

 

En estas tres primeras obras mis protagonistas son mujeres.

 

Cuando salgo al mundo profesional, después de estudiar cuatro años en la universidad, en las siguientes ocho obras que escribo, mis protagonistas, sin yo decidirlo conscientemente, son todos hombres. Ocho obras.

 

Creo que ahora es un buen momento para definir la misoginia internalizada: La misoginia internalizada es la internalización involuntaria de los mensajes sexistas presentes en nuestra sociedad y cultura.

 

Después de estudiar a todos los grandes hombres del teatro universal con sus grandes hombres protagonistas y sus grandes hombres directores, escribí ocho obras por ellos, sobre ellos y para ellos.

 

Seis años tardé en poder escribir otra protagonista femenina. Erika Adler.

 

Estamos ya en 2006.

 

La ascensión y caída de Erika Adler” es una obra en formato de falso documental, en la que Erika Adler es el único personaje ficticio en un reparto de figuras históricas. Y otra vez Erika, una mujer sola, lucha sola contra todos los hombres de su vida.

 

Saltemos hasta 2013, han pasado siete años más en los que he escrito y montado 5 textos nuevos.

 

Ha empezado mi proyección internacional.

 

Ya he estrenado tres veces en Nueva York, donde me invitan a ser miembro de The League of Professional Theatre Women y de otras asociaciones internacionales, estoy cómoda en mi carrera y feliz en mi vida personal.

 

Y en ese momento, cuando empiezo a conocer y a admirar mujeres en la cima de su carrera, y que se ayudan las unas a las otras, leo un artículo de Geena Davis[1], actriz y fundadora del instituto para la igualdad de género en Hollywood.

 

Lo que más me llama la atención del artículo es una estadística que dice que en las escenas en las que aparecen masas o grupos de personas en películas solo el 17% de esos grupos está formado por mujeres, en vez del 50.52% que sería lo representativo de la realidad.

 

Pero el artículo no se queda ahí, en él, Geena da dos consejos para escritoras y escritores, y con esos consejos deja caer la gota que colma el vaso que reorienta mi carrera dramática.

 

Geena dice:

 

Primer consejo: Revisa los proyectos en los que ya estás trabajando y cambia algunos de los nombres de los personajes por nombres de mujeres. De un solo golpe, has creado algunos personajes femeninos coloridos y no estereotipados que podrían resultar aún más interesantes ahora que han tenido un cambio de género. ¿Qué pasa si el fontanero, el piloto o el arquitecto es una mujer? ¿Y si el taxista o el político intrigante es una mujer? ¿Qué pasa si los dos agentes de policía que llegan a la escena son mujeres, y no significa nada?

 

El segundo consejo es: Al describir las escenas en las que aparece una multitud, escribe en el texto: “Se reúne una multitud, de la que la mitad son mujeres”. Puede parecer extraño, pero os prometo que, de una forma u otra, si no lo escribes en el texto, en el set ese día la multitud resultará ser solo un 17 por ciento de mujeres. Increíble pero cierto.

 

Lo que Geena me descubre con sus consejos son dos cosas: Mi poder y mi responsabilidad.

 

Si yo lo escribo, pasa.

 

¿Cómo no lo voy a escribir?

 

Y en este momento porque busco otras cosas encuentro el proyecto “365 Mujeres al Año”.

 

Y mi poder y mi responsabilidad se convierten en mi misión.

 

Así vienen:

 

En 2015: “Nefertiti y PIII”. Sobre los abusos de poder en el entorno laboral y la sumisión al patriarcado.

 

En 2016: Fundar La Liga de las Mujeres Profesionales del Teatro en España

 

y “Breakfast at Daddy’s”, sobre los derechos reproductivos, el aborto y la relación paterno filial.

 

En 2017: “LIL’ Bird”, rompiendo estereotipos físicos.

 

y “The Mind-Boggling Shrinking Woman” sobre la violencia obstétrica y la ansiedad postparto.

 

En 2018: “LIL’ Bird 2”, sobre la relación materno filial, rompiendo estereotipos de género.

 

En 2020: “Goodbye Mother”, sobre la violencia doméstica y el sistema de apoyo que la sustenta.

 

En 2021: “Childbirth-19” sobre el racismo sistémico, la maternidad, la opresión y la violencia obstétrica.

 

y mi versión de “La vida es sueño”, que se estrena el mes que viene en Nueva York, sobre la violación, el patriarcado, el poder, las emociones, la opresión, el abuso, la sumisión y el sexismo, el discurso del odio…

 

 

Por fin aparecen en mi obra, no sólo mujeres protagonistas con un espectro más amplio sino también personajes de otras etnias.

 

Poder y responsabilidad traducidos a la página y al escenario.

 

Esto es el Teatro de la Agencia.

 

Hemos llegado al título de mi presentación. ¿Os acordáis? “El teatro de la Agencia y su aplicación en el aula?”

 

¿Pero qué es la Agencia[2]?

 

 

En el ámbito de la filosofía y la sociología, se denomina “Agencia” a la capacidad que posee una persona para actuar independientemente en el mundo y tomar, con libertad, sus propias decisiones.

 

Por el contrario, la “estructura” son aquellos factores de influencia, como clase social, religión, género, etnia, capacidad, costumbres, etc., que determinan o limitan a los agentes y sus decisiones.

 

 

¿Y qué características tiene el “Teatro de la Agencia”?

 

Varias. Por ejemplo:

 

Las líneas que separan personajes y actores no están definidas en todo momento.

 

A veces, la audiencia no sabe si el cuerpo que se dirige a ellos es una persona real o un personaje.

 

Es común que los actores entren y salgan del personaje a lo largo de la obra y que la cuarta pared se rompa constantemente.

 

Es un teatro posmoderno en el sentido de que puede haber una historia, o varias, pero no importa y hasta se puede dejar inconclusa.

 

¿Es esto una característica de una dramaturgia más femenina?

 

Quizá, porque lo que importa no es “el viaje del héroe”, son las consecuencias emocionales en los personajes o personas en escena y el arco que va desde la opresión a la reclamación de su agencia y su poder.

 

En este tipo de teatro la verdad es cruda, abierta, honesta, hay fuerza en la vulnerabilidad.

 

Hay rabia contra la sociedad.

 

Hay una sensación de campo de batalla, de guerra.

 

El mayor conflicto.

 

La urgencia más imperiosa.

 

Es un teatro que también se preocupa por los sentimientos de la audiencia abiertamente.

 

Es un teatro sobre sanación e inclusión, que por extensión al viaje de los personajes o directamente interpelando y estableciendo una relación con el público, también otorga agencia y poder a personas, grupos y comunidades oprimidas.

 

Esas son las principales características de lo que llamamos el “Teatro de la Agencia”. Los ejemplos son múltiples y cada vez se ven más obras que se adecuan a este criterio en los escenarios del mundo. No es sólo el teatro de Beatriz Cabur el que reclama su poder. Es una ola global.

 

Acordémonos ahora de lo que hablábamos el jueves pasado sobre como hoy las autoras que estamos aquí compartimos esa sororidad, como se nos percibe juntas, guerreras en esa lucha común cuyo fin es liberarnos de la opresión y las dificultades con las que nos siembran el camino.

 

¿Pero cuál es el primer obstáculo con el que nos enfrentamos en la lucha?

 

Lo hemos visto.

 

Acordaros de mis personajes.

 

Solas.

 

Todas.

 

El primer obstáculo es percibirse sola.

 

15 años de escritura profesional me costó darme cuenta de que no lo están. De que no lo estamos.

 

Es parte de la lucha darse cuenta de que no lo estamos, de que tenemos un enemigo común y somos aliadas.

 

Es parte de la lucha darse cuenta de que si gana otra también estoy ganando yo y que desbrozar el camino, por muchísimo que cueste, merece la pena porque deja el camino un poco más desbrozado para la siguiente.

 

Y para nuestras y nuestros adolescentes, creo que nuestro trabajo es enseñarles su poder y su responsabilidad. Descubrirlos será su fortaleza.

 

No podemos descartar el efecto que tuvo pasar por la universidad en mi obra sin recapacitar en ello.

 

Tomemos nota.

 

Revisemos los contenidos que impartimos en las aulas. El efecto de ese contenido en las alumnas y en los alumnos es inmediato.

 

Es nuestro poder y nuestra responsabilidad abrir puertas no cerrar posibilidades.

 

Gracias.

 

 

Beatriz Cabur

 

21 de septiembre de 2021

[1] https://www.hollywoodreporter.com/news/general-news/geena-davis-two-easy-steps-664573/

 

[2] https://en.wikipedia.org/wiki/Agency_(sociology)

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